domingo, 31 de julio de 2011

40 aniversario

CANCIONES PARA
DESPUÉS DE UNA GUERRA (1971)El documental de Basilio Martín Patino ha cumplido ya cuarenta años, número fatídico. 40 años fue lo que duró ese régimen político que nos mantuvo en la retaguardia de Europa y cuyas consecuencias aún estamos pagando.
Un documental que nos muestra las canciones que en la década de los cuarenta (otra vez ese número) sonaban de forma machacona por las radios. La televisión no había llegado aún salvo en una canción entonces famosa "la televisión pronto llegará..." que no paaba de sonar.
Al mismo tiempo que escuchamos las canciones vemos imágenes de aquellos años. Cuando sacaron los sacos de tierra que cubrían la Cibeles, o cuando sacaba los nombres "rojos" de las calles para añadir los "azules". Años de nacionalismo esperpéntico, de cierre de embajadas, de soledad, autarquía, de hambre, cartillas de racionamiento, el caudillo bajo palio, la entrevista de Hendaya, la boma atómica, la visita de la Virgen de Fátima, procesiones, botafumeiros, campamentos de la OJE.
Cuando se cuenta esa época a las generaciones más recientes no se lo creen, hasta te responden que estamos de broma, que exageramos o que les estamos tomando el pelo. Pero lejos de la verdad está exagerar, las cosas fueron mucho peor de lo que se cuenta. Sufrimiento, dolor, muerte y mucho atraso.
Pero para endulzarnos la vida o tal vez para incitarnos a soñar en un mundo mejor estaban los éxitos del momento: Rasca Yu, Tiro liro, La casa de papel. Mientras la gente se moría de hambre se cantaba A lo loco en todas partes.
Ese muerto de hambre que saltó al tebeo (ahora llamado cómic) en el personaje de Carpanta, original de José Escobar.
Carpanta simbolizaba al español medio en los años cuarenta, aquel no encontraba trabajo y no podía comer, viendo debajo de un puente. Es un misterio que haya podido sobrevivir a la censura franquista que en varias ocasiones trató de eliminarlo, pero sobrevivió mucho tiempo convirtiéndose en mito.
Aparecen en el documental los famosos y famosas de la época, Imperio Argentina, Estrellita Castro, la llegada de los vieneses con Franz Johan, las histéricas películas históricas de Cifesa con Aurora Bautista, repletas de soflamas patrióticas, enrevesada jerga demagógica e histeria desatada. Aquella España que en los últimos años, con la crisis, amenaza con volver.
Una visión terrible de una España terrible. Se estrenó hace cuarenta años, treinta después de lo que se vivió, pero a veces parece que fue ayer que ocurrió. Un mundo que nos parece muy lejano pero que puede resucitar cuando menos lo esperamos. Ojalá siga siendo historia cada vez más lejana y que no se repita.


Canciones para después de una guerra (1971) Director: Basilio Martín Patino. Guión: Basilio Martín Patino, José Luis García Sánchez. Música: Manuel Parada. Fotografía: José Luis Alcaine. Año: 1971. Duración: 99 min. País: España. Género: Documental | Música. Guerra Civil Española.

Un Pancho Villa de banderas

PRESENTANDO A PANCHO VILLA (2003)

José Doroteo Arango Arámbula, mejor conocido por su seudónimo Francisco Villa o el hipocorístico de éste, Pancho Villa. Fue uno de los jefes de la revolución mexicana, cuya actuación militar fue decisiva para la derrota del régimen del entonces presidente Victoriano Huerta. Originario del estado de Durango (se desconoce si era de Río Grande o de San Juan del Río), nació el 5 de junio de 1878 y murió asesinado en una emboscada en Hidalgo del Parral (Chihuahua) el 20 de julio de 1923. Durante la revolución fue conocido como "El Centauro del Norte".
Mucho se ha escrito y se ha filmado sobre este célebre personaje que hace exactamente 100 años inició su famosa Revolución en favor de los mexicanos más humildes explotados por los oligarcas de siempre. Ha interesado al mundo del cine es películas mexicanas, estadounidenses e incluso españolas, esos westerns espagueti de antaño, de quien se dice que se casó unas 75 veces porque se saltaba la ley por el foro. Es un personaje atractivo para el cine, para unos fue un criminal pero para otros un libertador. Tal vez fue las dos cosas a la vez, como su segundo Rodolfo Fierro o El Carnicero, al que siempre le vemos asesinando a sangre fría centenares de personas. Muchos historiadores cuentan que los hechos que suelen aparecer en estas películas es inventado y que no eran tan bravucones como parecen. Ese machismo descerebrado que exhiben no era más que pura fachada.
La película que nos ocupa es estadounidense, gringa para abreviar, lo cual ya nos hace temer lo peor. Sin embargo resulta una agradable sorpresa, porque era un título del que no se esperaba nada, pero que cuenta un episodio olvidado de la vida del más famoso revolucionario del siglo XX.
Para mejorar su imagen, Villa llega a un acuerdo con una productora del norte para filmar un documental y posteriormente un largometraje con secuencias rodadas en plena guerra. Pancho Villa está encarnado por Antonio Banderas que por cierto está mucho mejor que en sus excursiones sobre El Zorro que tanta fama le dio.
Nos encontramos ante un estudio sobre la manipulación histórica. Aparecen personajes reales como David Wark Griffith, el legendario director, Raoul Walsh, entonces actor principiante, John Reed, el cronista de las revoluciones del siglo XX, y el primer cine mudo rodado a golpe de manivela antes del traslado definitivo a Hollywood.
La Revolución Mexicana está siendo manipulada por la prensa de Randolph Hearst, al que Orson Welles ajustó las cuentas con su Ciudadano Kane, creador de la prensa amarilla dedicada a inventar noticias y calumnias contra cualquier personaje público. Hearst ponía a Villa como un trapo presentándole como un asesino sanguinario y cruel.
Intentando mejorar su imagen Villa contacta con la Mutual que envía a sus reporteros y más adelante ruedan un largometraje en donde la vida de Villa es edulcorada, y en cierto modo manipulada pero en sentido contrario, embelleciendo su vida para convertir la película en un éxito comercial. Mentira contra mentira.
La realidad es siempre más compleja, víctimas y verdugos a veces tienen el mismo rostro. Villa es humano, uno de los mejores trabajos de Banderas, con muchos aspectos positivos pero también negativos. Por un lado es violento, cruel, pero por otra es compasivo con la gente humilde. Por eso fue tan amado como odiado por sus compatriotas. Lo negativo y lo positivo comparten un mismo rostro. Es la contradicción del género humano. Por eso la película trata de mostrarlo como fue, pero la producción de Hollywood cuyo rodaje es el eje central de la trama, miente tanto como la prensa amarilla de Hearst aunque sea en sentido contrario. Y la verdad quedará oculta una vez más.

Presentando a Pancho Villa
Titulo original: And Starring Pancho Villa as Himself
Año: 2003
Formato: Color
Duracion:112 minutos
Generos: Drama
País: Estados Unidos
Director: Bruce Beresford
Guionista: Larry Gelbart
Productor: Sue Jett y Tony Mark
Fotografo:Peter James y Andre Fleuren
Musico:Joseph Vitarelli
Actor:Michael McKean - Jim Broadbent - Antonio Banderas - Colm Feore - Alan Arkin - Eion Bailey - Matt Day

viernes, 29 de julio de 2011

Lope según Pilar Miró

EL PERRO DEL HORTELANO (1996)

Emma Suárez y Carmelo Gómez

La figura de Pilar Miró está siendo muy cuestionada en los últimos años porque no quiso financiar con dinero público los subproductos de cierto cine terrorífico de nefasto recuerdo. Su famosa ley no fue desafortunada por eso sino porque fue contraproducente al apostar por cineastas marginales que en aquellos tiempos, y en los actuales, tenían muy pocas oportunidades de levantar sus carreras. Faltaba equilibrio y sobraba intransigencia.
Pero su famosa ley, por la que es actualmente recordada aunque sea para mal, ha hecho olvidar su auténtica profesión, la de directora de cine con una carrera que no se merece el olvido tan radical que está padeciendo y que como muchos cineastas solventes se están convirtiendo en auténticos desconocidos para las nuevas generaciones.
Lo peor que pasa en la literatura sobre cine es que la mayoría de las personas dedicadas a estos menesteres caen en el mimetismo, como si no confiaran en sus propios criterios, se dedican a repetir como el vacuo eco las sentencias pronunciadas por los gurus iluminados ignorando los intereses ocultos en sus textos.
Emma Suárez
Pilar Miró llegó al cine procediendo de la televisión, su medio habitual, para quien llegó a dirigir obras de teatro televisadas. Su forma de ver el fenómeno cinematográfico está distorsionada por sus orígenes. Sus películas tienen más de televisión que de cine y, en el caso que nos ocupa, nos encontramos más con un ejemplo de teatro filmado que apenas puede destacar con el lenguaje del llamado séptimo arte. Así su lastre teatral perjudica esta adaptación que llega a resultar poco amena y cansina pese a gozar de un excelente texto y de un buen plantel actoral.
Carmelo Gómez, Emma Suárez
El perro del hortelano de Pilar Miró es una obra fría a la que le falta calor, pasión, imaginación (virtud ausente de toda la obra de su directora) pero que resulta correcta, pulcra, cuidada. Su falta de pasión provoca desinterés, pero su pulcritud la libra del infierno del mal cine en el que nunca cayó. Entre el cielo de los genios y el infierno de los bodrieros está el limbo de los discretos que es la mejor definición de este título.
Ya se sabe que el perro del hortelano ni ladra ni deja ladrar. Es una metáfora acaso de cierto cine español que ni hace cine ni deja hacer cine a los demás. La condesa Diana, encarnada por Emma Suárez, representa a esa gente amargada que ni vive ni deja vivir a los demás. La gente que se amarga la vida y se la amarga a los demás. Un personaje que bien merecería una buena película, lo que no es el ejemplo en cuestión. Discreto y mortecino. Por eso su cine despierta poco entusiasmo en la actualidad.


El perro del hortelano
Directora: Pilar Miró Intérpretes: Emma Suárez, Carmelo Gómez, Fernando Conde, Ana Duato, Miguel Rellán, Juan Gea, Maite Blasco, Blanca Portillo, Rafael Alonso Título en VO: El perro del hortelano País: España Año: 1996. Duración: 97 min. Clasificación: Todos los públicos Género: Comedia Color Guión: Pilar Miró, Rafael Pérez Sierra según textos de Félix Lope de Vega. Producción: Enrique Cerezo
Montaje: Pablo G. del Amo
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Música: José Nieto

domingo, 24 de julio de 2011

La "indignación" crece en el cine español

EL CINE ESPAÑOL EN LUCHA

La ex pupas del cine español

48 profesionales del cine han enviado una carta abierta al director del Instituto de Ciencias y Artes Audiovisuales (ICAA), Carlos Cuadros, instándole a que responda a la denuncia pública que el productor Xavier Catafal le remitió el pasado 20 de junio.

Aquel documento, que reprodujo elmundo.es, enumeraba con nombres propios y casos concretos un puñado de fraudes al sistema de amortizaciones a la producción evidentes a simple vista. Cuadros, consultado por este diario, no quiso valorar la denuncia: "No hay constancia; tratándose de acusaciones tan graves, hay que obrar con mucha cautela. [...] En cualquier caso, todo obra en poder de los servicios jurídicos».

Aquellas palabras han irritado a parte del sector: "Muchos productores y cineastas que no participamos de este sistema, a todas luces injusto y pernicioso tanto para la propia industria como por la imagen que proyecta del cine español, nos sentimos engañados y estafados, y con la presente carta queremos decir basta", dice el nuevo documento remitido a Cuadros.

"Basta de dilapidar dinero público en películas que son montadas como estrategias de estafa, hinchando presupuestos y comprando entradas en taquilla para falsificar sus cifras de recaudación. Y basta también de hipocresía de una industria cómplice".

La carta también cita un informe del "experto en el funcionamiento de la taquilla" Pau Brunet, que valora en nueve millones de euros premiarán este año "a películas que han tenido comportamientos mágicos en taquilla, eufemismo equivalente a la compra evidente de entradas por parte de productoras".

Manuell Huerga, Eduard Fernández, Cesc Gai, Albert Solé, María Ripoll, Sergi Casamitjana y Manuel Martín Cuenca, Verónica Font y Roser Aguilar, son algunas de las firmas más reconocibles entre los firmantes de la carta.

miércoles, 20 de julio de 2011

Comedia argentina

UN CUENTO CHINO (2011)


El punto de arranque de esta comedia no puede ser más insólito. Un río chino, una parejita dulce de orientales, el chico le va a entregar a su amada su anillo de compromiso pero un hecho insólito estropeará tan bellos planes. Una vaca cae del cielo y acaba con la vida de la bella enamorada dejando al joven sumido en una profunda depresión. Al cabo de una hora de proyección averiguamos qué ha pasado, porque todo tiene una explicación científica del hecho, salvo la mala suerte.
El pobre novio se va en busca de su tío, su tapó, que vive en Argentina, un país en que hablan español, un idioma que no entiende. Allí conoce a un ferretero, otro ser desafortunado que no entinde ni papa del chino, mandarín, uno de los dialectos del norte de China (allí conocidos como pinyin) que nada tiene que ver con el cantonés que se habla en la sur.
El azar les une a tan desventurados personajes que acaban por hacer amistad pese a no entenderse.
Con esa premisa Sebastián Borensztein compone una astuta comedia que en manos menos hábiles habría caído en la burda tontería. Pero no es así, gracias a un buen juego actoral, la trama funciona con autentica brillantez.
Una puesta en escena muy sencilla, casi minimalista, sin estridencias logra atraer la atención con estos dos personajes condenados a entenderse. Un ferretero que no se relaciona con nadie, que vive amargado de forma ascética, que se dedica a coleccionar noticias extrañas de los periódicos de todo el mundo. Entre ellos el de la vaca que cae del cielo. Un chino que se ve aislado en un país que no le entienden, que le consideran un extraño y cuyas costumbres son muy alejadas de las de su tierra natal. Pero la buena voluntad todo lo consigue.
Huang Sheng Huang y Ricardo Darin
Un cuento chino. Dirección y guion: Sebastián Borensztein. Países: España y Argentina. Año: 2011. Duración: 90 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Ricardo Darín (Roberto), Huang Sheng Huang (Jun Quian), Muriel Santa Ana (Mari), Enric Rodríguez (Roberto joven), Iván Romanelli (Leonel). Producción: Ferardo Herrero, Juan Pablo Buscarini, Pablo Bossi e Isabel García Peralta. Música: Lucio Godoy. Fotografía: Rodrigo Pulpeiro. Montaje: Fernando Pardo. Dirección artística: Laura Musso y Valeria Ambrossio. Distribuidora: Alta Classics. Estreno en Argentina: 24 Marzo 2011. Estreno en España: 17 Junio 2011. Apta para todos los públicos.

Gachupines cascarrabias

EL CRIMEN DEL PADRE AMARO (2002)

Ana Claudia Talancón

Nos encontramos con una película polémica. 2002, México. La película más taquillera del cine mexicano, aunque con coproducción española y la aparición de algunos gachupines en el reparto. Gachupin es el apodo que los mexicanos nos dan a los españoles emigrados a su país, por cierto.
Un ataque a la iglesia que resulta ya algo cansino, provocó que los grupos más radicales del catolicismo provocaran toda clase de rasgaduras de vestiduras, pataletas y enrabietadas, todo un monumental escándalo que se les volvió en contra y provocó que los públicos acudieran en tropel a las salas convirtiendo este filme melodramático en el más taquillero de la historia de aquel país hermano.
Los españoles como ya estamos curados de espantos no hicimos ni caso. Había oído hablar vagamente de esta película pero no la recordaba cuando TVE 2 la proyectó ayer noche y me decidí a visionarla.
Ana Claudia Talancón
Respecto al tema escándalo yo soy un escritor ya habituado a cualquier contingencia, ya he vivido mucho tiempo y tengo experiencias lo suficientemente duras como para escandalizarme de cualquier espectáculo por lo que me voy a ceñir a los temas puramente cinematográficos y no a juzgar la moralidad de sus imágenes. Para mí lo inmoral no es mostrar escenas de sexo, por cierto muy comedidas y castas, sino utilizar un tema delicado para llenar las plateas. Pero en fin, allá ellos. La jugada les salió redonda y las productoras sanearon sus cuentas corrientes que es de lo que se trataba. Fue un negocio redondo pero ¿eso es ético?
Dejando aparte el tema del escándalo me pregunto que hay de cierto en este relato en que la iglesia se sitúa al lado de los narcotraficantes en una entente cordiale para sacar dinero para un dispensario. La actitud beligerante del obispado contra un sacerdote porque apoya a los guerrilleros que presentamente luchan contra la corrupción real del Estado mexicano.
Se plantean otros temas, el celibato de los miembros de la Iglesia que es considerado contraproducente y que en el caso que nos ocupa hubieran evitado las tragedias que denuncia esta película. Estamos en otros tiempos, las gentes cambian, aunque haya poblados que parece que no.
El crimen del padre Amaro muestra una realidad alejada de la nuestra, la de un país que parece vivir en tiempos pasados. Me recuerda el franquismo primerizo, como apunta otro personaje que se supone un republicano exiliado español (se presume su nacionalidad porque se pasa el día escuchando zarzuelas en el reproductor de música) autor del comentario que compara la vida del pueblo con ese periodo histórico en nuestro país.
Gael García Bernal y Ana Claudia Talancón
La película de Carlos Carrera es un melodrama bien construido, apoyado en una pareja actoral muy atractiva visualmente (basta con ver las fotos) y de cuerpos deseables. Cuando programan teleseries mexicanas en las televisiones españolas me llama la atención el atractivo físico del reparto con unas chicas y unos chicos de extremada belleza. Saben que la calidad debe de entrar primero por los ojos, por lo que vemos y nos muestran unas personas espectaculares.
Gael García Bernal
En la película que nos ocupa, destacan algunas feligresas extraordinariamente atractivas así como el joven sacerdote y su rival periodista. Así que astutamente el director trata de seducirnos por los ojos, porque la película en realidad es superficial. Nos encontramos con un país tercermundista, muy feísta, con unos protagonistas atractivos que protagonizan las secuencias de sexo, un sexo que podríamos definir como ilegal y un amor prohibido que impide que se materialice en una unión legítima, es decir una boda, y sus consecuencias son trágicas como el tradición en los melodramas llorones.
En realidad nos venden una telenovela, un culebrón barato que recurre al escándalo para hacer caja aprovechando la cortedad de miras de una parte de la sociedad en que vivimos. Lejos estamos de Nazarín de Luis Buñuel, una película con más profundidad que ésta. El negocio les salió redondo a los productores y a vivir.



EL CRIMEN DEL PADRE AMARO
Dirección: Carlos Carrera.
Año: 2002.
País: México.
Duración: 120 min.
Interpretación: Gael García Bernal (Padre Amaro), Ana Claudia Talancón (Amelia), Sancho Gracia (Padre Benito), Angélica Aragón (La Sanjuanera), Damián Alcázar (Padre Natalio), Pedro Armendáriz Jr. (Presidente Municipal), Andrés Montiel (Rubén), Luisa Huertas (Dionisia), Lorenzo de Rodas (Don Paco), Ernesto Gómez Cruz (Bishop), Gastón Melo (Martin), Gerardo Moscoso (Doc), Roger Nevares (Padre Galvan), Martha Posternak (Sra. Aguilar).
Guión: Vicente Leñero; basado en la novela de Eça de Queirós.
Producción: Alfredo Ripstein y Daniel Birman Ripstein.
Música: Rosino Serrano.
Fotografía: Guillermo Granillo.
Montaje: Óscar Figueroa.
Dirección artística: Carmen Giménez Cacho.
Vestuario: Mariestela Fernández.
Estreno en España: 8 Noviembre 2002.

domingo, 17 de julio de 2011

El viaje que cambió nuestros destinos

DRAGON RAPIDE (1986)

Juan Diego
En los meses enero y febrero de 1987 trabajé en un proyecto cinematográfico terrible, una de esas películas que tanto gustan a los frikkies (¡qué mala debe ser!) pero no a los cinéfilos que se precien de serlo. Me refiero a El rebuzno del asno, mejor dicho El aullido del diablo. Entre las peroratas con las que me castigaron en aquellos dos dementes meses era que iba a trabajar de nuevo con un maquillador a quien le iban a dar el oscar de Hollywood. Como siempre trataban de que me tragara las mentiras de rigor porque el premio al que aspiraba el compañero de esta "cosa" era el Goya al mejor maquillaje por Dragon Rapide.
Yo sentía por el susodicho compañero una gran simpatía y respeto. Fernando Florido era un buen profesional, habitual en las truculentas producciones de Acónito films, donde rodé mis primeras películas, y estaba algo disgustado porque había trabajado en dicha película tan alejado de su ideología política más bien simpatizante del personaje central de la producción que nos ocupa.
Dragon Rapide es el nombre de un avión bimotor que en el 17 de julio de 1936 trasladó al más siniestro de los mortales, al general Francisco Franco.
Romá Gubern
El historiador Romá Gubern fue el autor de este guión en el que por vez primera el dictador es mostrado como personaje, conociendo sus intimidades. Como su esposa, Carmen Polo le llamaba Paquita y cual Lady Macbeth le come el coco para que asuma la jefatura del Estado tras el golpe. Así conocemos cómo se supone que era dos personajes que durante cuarenta años aparecían con música solemne en los noticiarios del No-Do. La gente les llamaba Paco Medallas y Carmen Collares. Se contaba de ellos, un chiste ahora obsoleto: "Se cuenta que el general DeGaulle le dice al general Franco. No me parece bien que usted se llame Franco, que es el nombre de la moneda francesa. Al ser usted español debería llamarse general Peseta que es la moneda de su país. El general Franco se queda pensativo y se lo cuenta a su esposa que se encoleriza por tal propuesta. ¡De ningún modo! Si eso fuera así me llamarían Carmen Polo de Peseta". El polo de peseta era un helado de hielo ultrabarato, alargado y que servían con un palito de madera para poderlo coger.
Así nos encontramos con un Franco en la bañera mientras un ayudante se dedica a matar chinches con una zapatilla. Un Franco preocupado por la tristeza de su hija, aburrida en las Canarias, al que le prepara una fiesta de cumpleaños mientras prepara el golpe.
Quedan puntos oscuros. Por ejemplo cómo fue la oportuna y misteriosa muerte de los líderes rivales, el general Sanjurjo o Joaquín Calvo Sotelo. Juan Diego (entonces militante del PCE) se esfuerza en hacer creíble su personaje, Franco, ayudado por el maquillaje de Fernando Florido. Para quién creó los maquillajes del hombre lobo, Alaric de Marnac y demás follones, mucho más elaborados, le habrá parecido un chiste recibir el Goya por haber creado ese rostro del dictador en la faz de Diego. Pero ya se sabe que en la España democrática, si quieres Goyas y pasta gansa debes despotricar contra el anterior Jefe del Estado que si bien no me inspira ninguna simpatía no tiene nada que envidiar a los lunáticos que le sucedieron.
Vista ahora, la película de Jaime Camino se ve algo torpona, montada de forma chapucera, con una banda de sonido estridente. Tal como decía el fallecido crítico Domènec Font "el cine no es arte, es ideología" sin que nadie le tirara tomates maduros a su faz, eso da que pensar que a la hora de otorgar subvenciones y repartir Goyas es lo que más se tiene en cuenta.
Como película, Dragon Rapide, es bastante obsoleta. Es tosca de dirección, Camino no estaba holgado de medios e incluso recibió un varapalo de la Generalitat (es una producción barcelonesa) por no hacer hablar en catalán al mismísimo Franco.
Desde luego con lumbreras así ese país va raudo al abismo.
DRAGON RAPIDE
Dirigido por Jaime Camino, 1986
ESPAÑA Largometraje
Productoras: TIBIDABO FILMS, SA, RADIO TELEVISION ITALIANA (ITALIA)
Intérpretes: Juan Diego, Victoria Peña, Manuel de Blas, Pedro Diaz del Corral, Francisco Casares, Santiago Ramos, Laura Garcia Lorca, Jose Luis Pellicena, Miguel Molina, Saturno Cerra, Eduardo McGregor, Ramon Duran, Carlos Lucena, Alberto Fernandez, Maria Lasala, Jorge Bosso, Jose Maria Escuer, Antonio Canal, Conrado San Martin, Teofilo Calle, Juan Margallo, Jesus Fernandez, Jose Ruiz Lifante, Jose Maria Cafarell, Ian Gibson, Damian Velasco, Antonio Ross, Alfredo Enriquez, Francisco Lahoz, Amau Vilardebo, Mauro Rivera, Jose Manuel Martí, José Luis Gonzalez, Chema Adeva, Rafael Alonso, Amado Gomez, Hugo Blanco, Fernando Chinarro, Miguel Palenzuela, Jose Maia Labernier, Mauro Muñiz, Francisco Jarque Guión: Roman Camino, Jaime Gubern
Argumento: Basado en hechos historicos
Director de fotografía: Juan Amoros
Música: Xavier Montsalvatge, Extractos: "Novena Sinfonía" de Ludwig van Beethoven, interpretado por la "Orquesta Ciutat de Barcelona" , dirigida por Antoni Ros Marbá
Montadores: Teresa Alcocer, Ian Asesor historico, Gibson
Productor: Jaime Camino
Decorados: Félix Murcia
Sonido: Bernardo Menz
Maquillaje: Fernando Florido
Género: Histórico, drama
Tema: Guerra Civil Española (1936-1939), Francisco Franco
35 milimetros. Color: Eastmancolor. Normal.
Duración: 105 minutos
Estrenos: 10-07-1986 Madrid: Callao, Carlos III y Roxy A 17-07-1986 Barcelona: Astoria, Comedia 1, Waldorf 3 Empresa distribuidora: RACORD PRODUCCIONES S.A.
Espectadores: 533.530
Recaudación: 955.309,51 €

sábado, 16 de julio de 2011

Crónicas del Imperio Astrohúngaro

VIVAN LOS NOVIOS (1970)

José María Prada, José Luis López Vázquez, Lali Soldevila, Manolo Alexandre
Tras El verdugo (1963), su obra maestra, el cine de Berlanga parecía que hacía aguas por los cuatro costados. No nos engañemos, años después se recuperó con La escopeta nacional (1977) cuando ya le creíamos perdido. Sus películas en este periodo de tiempo se podrían calificar de obras menores porque carecían del ingenio de sus mejores años.
Dentro de este periodo nos encontramos con Vivan los novios (1970), rodada en Sitges, la primera en color de su filmografía con José Luis López Vázquez entonces el actor de moda en un papel más serio de lo habitual en aquellos tiempos.
Su humor negro salva la función, la España eterna está perfectamente retratada aunque siempre en un tono menor, más disperso. Un entierro y una boda en medio de una zona playera popular con rubias suecas en bikini y cuerpos espectaculares.
Le falta la mordiente habitual, todo es más mortecino, y en cierto modo nos hizo temer la decadencia del director valenciano. Afortunadamente no fue así.
A pesar de todo tenemos el clásico desfile de rostros amigos, entre los que se cuenta nuestro llorado amigo Víctor Israel. Un Berlanga menor pero un Berlanga al fin y al cabo.

Vivan los novios
Año: 1970.
Duración: 83 min.
País: España.
Director: Luis García Berlanga.
Guión: Rafael Azcona, Luis García Berlanga.
Música: Antonio Pérez Olea.
Fotografía: Aurelio G. Larraya (C.)
Reparto: José Luís López Vázquez (Leonardo Pozas); Laly Soldevilla (Loli); José María Prada (Pepito); Manuel Alexandre (Carlos); Patricia Fellner (La pintora irlandesa); Teresa Gisbert (Doña Trinidad); Luís Ciges (Padre Picazo); Victor Israel (Sacristán); Javier Vivó (Sr. Calonge); Romy, Gela Geisler (Turistas) Juan Torres, Francisco Jarque, Amalia Martinez Del Campo, Miquel Bordoy. Productora: Suevia Films.

Extraño cartel de la película con el nombre de Juanjo Menéndez en la cabecera. Dicho actor no aparece y resulta extraño el error.

jueves, 14 de julio de 2011

Las fricadas de rigor

AMIGOS... (2011)

La nueva comedia española no es tan casposa como la de otros tiempos aunque no llegue nunca a gran altura. Es como un reflejo pálido del actual cine estadounidense, argumentos convencionales y previsibles, muy políticamente correctos, y unos personajes algo alocados de protagonista. Un treintañero que vive con su madre, otro dominado por una mujer maquiavélica y un tercero que ejerce de guardia cerca de un colegio para ver a su hijo.
Una apuesta les hará hacer burradas en programas de telebasura para subir la audiencia. Lo que se podría aprovechar para una mayor dosis de acidez se queda en la típica sucesión de fricadas. Le falta mordiente, mala uva. Sin embargo la película está bien narrada, tiene ritmo y la acción no decae. Es un producto no genial pero sí muy profesional.
Borja Manso y Marcos Cabotá saben sacar partido a los actores que están bien pero que por desgracia no conocemos. Es el principal problema del cine español actual que no trabaja a fondo el star system. En otros tiempos, cuando estrenaban una película española, el público conocía a los actores secundarios de breves apariciones. Eso es algo que actualmente no pasa porque a los actores apenas los conocemos. A mí personalmente me gustan, pero creo que les faltan mayor promoción.
La industria del cine en España está muy dejada de la mano de Dios, intervenida por las multinacionales, muchas películas no llegan a los cines de provincias. Amigos ha tenido mejor suerte al menos por lo que respecta a mi ciudad. Muchas películas las veo cuando aparecen en DVD, sobretodo si algún periódico la vende los fines de semana a módico precio, un fórmula más que satisfactoria para reencontrarnos con el cine nacional. Las salas están en crisis, no sólo por la crisis económica general, sino porque están mal situadas y son de complicado acceso. El cine es un negocio, ya lo decía Groucho Marx hace cincuenta años y las cosas no han cambiado.

Título: Amigos...
Título original: Amigos...
País: España
Estreno en USA:
Estreno en España: 08/07/2011
Productora: Telecinco Cinema, Pendelton
Director: Borja Manso, Marcos Cabotá
Guión: Borja Manso, Borja Cobeaga
Reparto: Ernesto Alterio, Diego Martín, Alberto Lozano, Manuela Velasco, Goya Toledo, Sara Carbonero

domingo, 10 de julio de 2011

Cine negro en la España negra

UNA MUJER CUALQUIERA (1949)

Siempre se nos dice que el cine español es pésimo pero esta aseveración gratuita sólo demuestra desinformación e ignorancia. Hace un par de días pude ver dos ejemplos de cine policíaco de Hollywood, La cena de los acusados y Ella, él y Asta que son de una mediocridad insultante pero que incluso gozan de un cierto prestigio histórico mientras nuestras películas del género son ignoradas. Este es el caso de la película que nos ocupa de Rafael Gil, Una mujer cualquiera que data de 1949.
Rafael Gil empezó su carrera rodando cortos propagandísticos de la República durante la guerra civil española, Sanidad (1937); Soldados campesinos (1938); Salvad la cosecha (1938); Resistencia en Levante (1938). Luego rodó otros pero para el otro bando, La corrida de la Victoria (1939); La copa del Generalísimo en Barcelona (1939); Flechas (1939); Ametralladoras (1939) y finalmente acabó su carrera criticando el camaleonismo ideológico de muchos españoles durante la transición a la democracia. Lo que se les llamó chaqueteros. Resulta paradójico conociendo su pasado.


Una mujer cualquiera tenía una estrella internacionalmente famosa, María Félix, entonces en la cúspide y que según malas lenguas obtuvo un salario de estrella desorbitado. En la actualidad este detalle carece del menor interés. A pesar de ser una película olvidada a causa de la corrupción de los escritores que abordan el fenómeno cinematográfico en España que se dedica a despotricar sistemáticamente contra toda producción nacional de forma acrítica, la película de Gil es una excelente muestra de cine negro que está llevado con inusual inteligencia y que cuenta con un recital de la diva Félix que se integra plenamente en la trama, apoyada por un convincente galán, Antonio Vilar, en un papel oscuro y siniestro aunque no exento de contradicciones.
La trama gira sobre un asesinato y una falsa culpable, una mujer que se ha visto obligada a separarse de su marido responsable de la muerte de su hijo en común que se va degradando hasta tocar fondo y conocer de forma fortuita a un desaprensivo que la manipula sin escrúpulos.
Félix tenía fama de mujer fatal, capaz de responder a un periodista impertinente que le preguntó si era lesbiana "Si todos los hombres fueran tan feos como usted, claro que sería lesbiana".
En la película de Gil está a la altura de su leyenda, una mujer repleta de enigma y misterio, pero en el fondo una falsa culpable al estilo Hitchcock que se ve involucrada en un asunto turbio sin desearlo. Una mujer que conserva su compostura en horas bajas, que se hunde en la miseria moral y económica sin perder su elegancia. Antonio Vilar es perfecto como el truhán canalla que la lleva por el camino de la destrucción y el resto del reparto sabe cumplir dignamente con su cometido. Una buena película que si fuera extranjera tendría actualmente mejor reputación y viene a demostrar que es falso que todo el cine español sea malo y todo el cine de Hollywood bueno. Los americanos tienen mucha tecnología y dinero, pero los españoles pusimos sentimiento en nuestras aventuras cinematográficas.

Una mujer cualquiera
Año de producción: 1949
País: España
Dirección: Rafael Gil
Intérpretes: María Félix, Antonio Vilar, Mary Delgado, Juan Espantaleón, José Nieto, Manolo Morán, Julia Caba Alba, María Isbert, Rafael Bardem, José Prada
Argumento: Miguel Mihura (argumento)
Guión: Rafael Gil
Música: Manuel Parada
Fotografía: Theodore J. Pahle
Duración: 89 min.
Género: Melodrama


sábado, 9 de julio de 2011

Frikada en los kioscos

EL PENALTI MÁS LARGO DEL MUNDO
(2005)

Fernando Tejero
La comedia cinematográfica española siempre ha sido protagonizada por perdedores. Durante la república, monarquía de Alfonso XIII y el franquismo los paletos han sido los encargados de hacernos reír con sus presuntas burradas. El escalafón más bajo de la sociedad era puesto en solfa para provocar la carcajada del respetable público. Al llegar el tardofranquismo, el crepúsculo de la dictadura, los bufones palurdos fueron sustituidos por los reprimidos. Unos pobres salidos que no tenían vida sexual y que la deseaban, pero la moral imperante y las circunstancias se lo impedían.
Con el devenir de la democracia (la democracia vigilada no la real) se liberalizaron las costumbres y los pobres salidos ya encontraban pareja para retozar sin demasiados problemas. Entonces aparecieron los frikies que suelen ser algo así como los palurdos de antes pero políticamente correctos. Unos tipos que van de graciosos por la vida pero que a mucha gente no nos parece tan risible. Son los extravagantes, los rarillos.
El mayor penalti del mundo en realidad va de esto. Mostrarnos una comedia desde el punta de vista de un fracasado al que nadie toma en serio y al que se le desprecia sistemáticamente. Una serie de circunstancias le ponen en una situación de gran responsabilidad. Es portero de un equipo de tercera regional que aspira a subir a segunda. Todo depende de que pare un penalti, su situación personal parece mejorar.
La película de Roberto Santiago va precisamente de ésto, del friki alelado objeto de desprecio y de mofa a causa de su torpeza. Le falta amor propio y espíritu de rebeldía, en cierto modo es tan conservador como sus antecesores. La dirección está bien servida por un excelente reparto y un buen ritmo que no decae. Tal vez le hubiera faltado mejor promoción industrial, pero ya se sabe que el aspecto mercantil es muy flojo en nuestra España del desaguisado.


EL PENALTI MÁS LARGO DEL MUNDO
Dirección: Roberto Santiago.
País: España.
Año: 2005.
Duración: 100 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Fernando Tejero (Fernando), Marta Larralde (Cecilia), María Botto (Ana), Carlos Kaniowsky (Santos), Benito Sagredo (Román), Fernando Cayo (Bilbao), Javier Gutiérrez (Rafa), Cristina Alcázar (Julia), Luis Callejo (Khaled), Enrique Villén (Adrián).
Guión: Roberto Santiago; basado en un cuento original de Osvaldo Soriano.
Producción: Gerardo Herrero, Mariela Besuievsky y Tedy Villalba.
Música: Lucio Godoy.
Fotografía: Juan Antonio Castaño.
Montaje: Fernando Pardo.
Dirección artística: Federico García Cambero.
Vestuario: Cristina Rodríguez.
Estreno en España: 9 Marzo 2005.

miércoles, 6 de julio de 2011

La historia según Hollywood

LA REINA CRISTINA DE SUECIA (1933)

Greta Garbo
La reina Cristina de Suecia cuenta los amores de la monarca sueca con un enviado español de Felipe IV y da pie a un famoso drama romántico en que la diva Greta Garbo luce todo su talento. Cualquier parecido con la historia real no es pura coincidencia, es inexistente.
Nos encontramos ante un producto Made in Hollywood, de indudables cualidades artísticas, que está montado al servicio de la diva. La diva no sirve a la película sino que es al revés. Por lo tanto se utiliza el nombre de una monarca sueca que existió para servirnos una trama completamente imaginaria.
Una trama que implica un amor imposible de la reina con un extranjero que provoca indignación popular. Los extranjeros aquí son españoles y además papistas, los suecos son protestantes, y participan en guerras religiosas para defender su fe a cañonazo limpio.
Resulta curiosa la trama cuando recordamos que en España hemos tenido muchos monarcas extranjeros como Felipe el Hermoso, Carlos I que nos vino desde Alemania, Felipe V y su odiosa guerra de sucesión con el archiduque Carlos de Austria, etc. Carlos I y V de Alemania provocó la rebelión de los comuneros que acabaron en el patíbulo.
C. Aubrey Smith, Greta Garbo, John Gilbert
Nos encontramos ante una película mítica de ambiente histórico o mejor dicho pseudohistórico que cimentó un mito. Greta Garbo exhibe ropa masculina, entonces considerada atrevida y escandalosa, le da un beso lésbico a su camarera real y en cierto modo se sugiere una posible relación porque no se podía mostrar con claridad. Era célebre la ambigüedad sexual de la Garbo, o al menos se entendía así su bisexualidad por tener tórridos romances con mujeres y con hombres. La diva defendía su intimidad a capa y espada e hizo bien. Se apartó de las pantallas a tiempo para que no la viéramos envejecer.
La película de Mamoulian la debemos valorar como una obra artística repleta de licencias. Puro star system. Se recrea en las miradas de la actriz principal, en sus gestos, su sonrisa. Una fotografía muy bien realizada con planos que parecen pinturas. Su sensibilidad crea una obra que sí, que es bellísima formalmente. Los admiradores de Greta salieron bien satisfechos y actualmente este es uno de sus títulos más míticos al lado de su galán del cine mudo, John Gilbert, al que el sonoro llevó a la ruina por una voz inadecuada.
La película tiene el envoltorio bonito pero no el contenido. Un cine hecho para exhibir al actor o actriz principal, no para contarnos una historia. Como documento histórico (cinematográfico) es relevante y Greta nos sigue fascinando pese a todo.

Título en VO: Queen Christina Año: 1933. Director: Rouben Mamoulian Intérpretes: Greta Garbo, John Gilbert, Lewis Stone, C. Aubrey Smith, Elizabeth Young, Ian Keith Duración: 97 min. Género: Histórica Color o en B/N: Blanco y Negro Guión: H.M. Harwood, Salka Viertel Fotografía: William Daniels. Música: Herbert Stothart

lunes, 4 de julio de 2011

Aparición inminente

JUAN PIQUER SIMÓN
MAGO DE LA SERIE B (2011)


Coordinado por Jorge Juan Adsuara y prologado por Isabel Piquer, hija del realizador, está pronto a distribuirse este volumen colectivo dedicado a estudiar su obra.
El libro es un cálido tributo a uno de los grandes del cine fantástico español. En el mismo colaboran Diego Morán, Jesús Parrado, Salvador Sáinz, Antonio Garcinuño, Domingo Lizcaino, Luis Silvestre, Javier G. Romero, Miguel Ángel Plana, Toni Busquets, Sergio Blasco, Olatz Azurmendi, Pedro Adell, Rubén Higueras, Juan Ángel Saiz, Ana Martí y José Luis Estébenez.

viernes, 1 de julio de 2011

Más de la mitad de españoles no va nunca al cine

CRISIS DE ESPECTADORES


Las salas de cine cada vez están más vacías. Un 55,5 % de los españoles (dos décimas más del porcentaje del periodo anterior) no va al cine nunca o casi nunca, mientras que la mayoría de los que acuden alguna vez a las salas de proyección lo hace menos de cinco veces al año, según el último Estudio General de Medios (EGM).
Los datos de este informe, que corresponden al período comprendido entre octubre de 2010 y el pasado mes de mayo, indican que el 44,5% de la población acude alguna vez al cine.
De este porcentaje, un 15,7% lo hace menos de cinco veces al año; el 11,8%, entre cinco y seis veces al año; y el 10%, una vez al mes.
Sólo cinco de cada cien españoles va al cine dos o tres veces al mes, mientras que un 1,8% acude a las sala una vez por semana y un 0,2 lo hace dos o más veces a la semana.
Los datos referentes al cine español tampoco son halagüeños. Un informe de la empresa de mercado Rentrak advertía el pasado mes de febrero que el número de espectadores de las películas hechas en España había entrado en caída libre en 2010. El único alivio para la industria cinematográfica es comprobar que la producción nacional ha tenido más fortuna en el mercado extranjero que en el propio

La unica solución: la emigración

LOLA DUEÑAS RECOMIENDA
A SUS COMPAÑEROS DEL CINE
IRSE DE ESPAÑA

La actriz Lola Dueñas, que vive y trabaja en París desde el año pasado, asegura en una entrevista que en España "no se puede rodar" y por ello, y con mucha pena, afirma, recomienda a sus amigos directores "que se vayan de aquí". "No entiendo cómo Álvaro Pastor, Antonio Naharro, Ramón Salazar o David Planell que son buenísimos y ya lo han demostrado, no pueden rodar, y si no tienes posibilidad de rodar, ya no eres creador, porque no puedes. Esa es la realidad que tenemos en España", y que, en su opinión, no tiene que ver con la crisis.
"Desde que vivo en Francia me he dado cuenta de que lo que pasa es que allí todo el mundo ha visto todas las películas, incluidas todas las españolas, eso no pasa aquí. Allí -enfatiza- alucinas, hay público, les encanta el cine, lo cuidan, les importan sus actores, hasta los españoles les importamos", afirma Dueñas.
La actriz, que ayuda estos días en la promoción de la película de debut de la realizadora francesa Alix Delaporte, El amor de Tony, donde Dueñas tiene un papel "pequeñito", considera que en España "la cultura da igual, es evidente que no es importante, ni fundamental, y en Francia sí", afirma tajante.
"Y ¿qué hacemos con estos directores tan llenos de talento? Yo les digo todo el rato (lo siento, pero me sale del alma): iros de aquí, aquí no podéis rodar. No entiendo cómo después de Yo también, que ha triunfado en todas partes del mundo, no pueden rodar otra película. ¿Ves? -dice- Eso no pasa en Francia, allí esto no lo entienden", remata con tristeza.
Para la actriz, esta situación no cambiará si el público español "no avanza" de la frase: "no me gusta el cine español". "Pues en Francia, encanta, los franceses alucinan cuando les digo que en España critican a Almodóvar, lo mejor que tenemos, en lugar de agradecerle que el mundo nos conozca gracias a él; y los homenajes se los hacen en Francia", se queja.
Su marcha al país vecino se debe, sobre todo, a sus ganas de estudiar y aprender francés, pero también a que "estaba estancada aquí, he trabajado con directores que me encantan, pero había llegado a un punto en el que no sabía muy bien por donde tirar; pensaba que me iba a costar más, pero estoy feliz allí".
"No me he ido porque esté dolida, porque no tengo nada de qué quejarme -ha dicho-, si acaso, de que aún no he rodado con Julio Médem", un deseo que la actriz comparte con su compañera Penélope Cruz, lo "único", aparte de ser las dos actrices y españolas, que tienen en común. "No me parezco nada a ella, y para Hollywood ya llego un poco tarde porque allí no hay papeles para mujeres de 40 años y yo ya tengo 39", bromea.
Dueñas, que ha rodado con los mejores directores españoles (Almodóvar, Amenábar, Bayona o Gerardo Herrero, entre otros), cuenta con un palmarés que incluye dos premios Goya, una Concha de Plata y un premio colectivo de Cannes por su trabajo en Volver, así como decenas de candidaturas como mejor actriz.
Ahora prepara un par de proyectos de los que "prefiero no hablar", en español y en francés, y espera el estreno de la tercera película de Ramón Salazar, 10.000 noches en ninguna parte, donde comparte protagonismo con Najwa Nimri.

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