viernes, 29 de abril de 2011

De la tele al cine

AGUILA ROJA:
LA PELÍCULA (2011)


El salto de la pequeña pantalla a la grande no suele ser fácil. ¿Porqué pagar para ver aquello que vemos gratis en casa? Esta es una premisa que en el cine español aún no conocen y los mismos rostros aparecen en un lugar u otro. Cuando la familia Munster dio ese salto pinchó a pesar de mostrar en color lo que habitualmente era en blanco y negro, pero Star Trek tuvo mejor fortuna porque las series de cine contaban con unos lujos de producción que las de televisión no podían ni soñar.
Aguila Roja: la película de momento consigue buenos dividendos, pero para ello ha de crear una trama más compleja que la exhibida en televisión, más personajes y más acción pero el salto no es tan evidente como el caso de míster Spock y compañía. A pesar de todo hemos de reconocer que su nivel de calidad es altamente competitivo y que está en consonancia con cualquier producción internacional.
Ese batiburrillo de ninjas en la España de los Austrias menores, mosqueteros malvados y una serie de personajes como Satur que siempre tienen su gracejo han cautivado a los espectadores. Cuando las cosas se hacen bien funcionan. En vez del discurso victimista de cinematografía maltatada y pisoteada por las multinacionales se ofrece un producto ya conocido de antemano y que tiene un evidente gancho popular.
Dentro de unos años, Águila Roja será una serie de culto y los cinéfilos la coleccionarán con inusual avidez en el formato que entonces esté vigente. Es el sino de toda producción que gusta al gran público. En sus años de producción, cuando es un producto vivo, se le desprecia, pero cuando ha pasado su tiempo y sus autores han desaparecido entonces es mitificada y puesta en un altar. Así ha sido y así será en nuestro caótico cine español. Un producto realizado con evidente vigor, que sabe mantener la atención de principio a fin, que nunca aburre y que interesa a espectadores de todas las edades. Está Martina Klein pero los autores han preferido dejar la historia de amor para otra ocasión.

El casting de la película

Película: Águila Roja: La película. Dirección: José Ramón Ayerra. País: España. Año: 2011. Género: Acción, drama histórico. Interpretación: David Janer (Águila Roja/Gonzalo de Montalvo), Javier Gutiérrez (Sátur), Francis Lorenzo (comisario), Inma Cuesta (Margarita), Myriam Gallego (Marquesa de Santillana), Santiago Molero (Cipri), José Ángel Egido (Cardenal), Martina Klein (Beatriz), Antonio Molero (Mateo), Guillermo Campra (Alonso), Pepa Aniorte (Catalina). Guion: Pilar Nadal, J.M. Ruiz Córdoba y Guillermo Cisneros. Producción: Daniel Écija. Música: Daniel Sánchez de la Hera. Fotografía: Adolfo del Casar. Montaje: Arturo Barahona. Dirección artística: Fernando González. Vestuario: Laura Herrera. Distribuidora: Hispano Foxfilm. Estreno en España: 20 Abril 2011. No recomendada para menores de 12 años.

jueves, 28 de abril de 2011

Recuerdos de otra España

LA PIEL QUEMADA (1967)

Para mí La piel quemada es una de las mejores películas del cine español de todos los tiempos a pesar de que se hable muy poco de ella. Se habla de la inmigración interior en la España de los sesenta, de las reacciones de los catalanes de la época, que varían en función de su posición social. Los de clase alta entonces franquista y actualmente reciclados en nacionalistas independentistas, que les trataron con desprecio y les humillaron todo lo posible y los de clase modesta que les acogió con los brazos abiertos.
Resulta chocante ver la película en la actualidad porque no ha envejecido en absoluto, los comentarios que se escuchan a lo largo de su proyección son los mismos de la Cataluña (y la España) actual aunque sólo cambian los rostros de los inmigrantes actuales procedentes de Sudamérica, Marruecos o el este de Europa.
La película de Forn, para mí la mejor de su filmografía, tiene un estilo narrativo que nos recuerda la Nouvelle Vague francesa buscando un realismo naturalista y una espontaneidad en la puesta en escena.
Nos reencontramos con rostros ilustres de antaño como Jaume Picas, escritor y actor, autor de obras teatrales y entonces crítico de Fotogramas de esos que no dejaban títere con cabeza. El cantante y presentador Salvador Escamilla, la voz española de Dick Van Dyke en las canciones de Mary Poppins y Chitty Chitty Bang Bang. Silvia Solar, habitual en la época, y como protagonista Antonio Iranzo, un actor de voz profunda que conocía en el rodaje de Los cántabros, enero 1980. Del director Josep María Forn, hombre fundamental en el cine catalán de las décadas posteriores muchas veces en funciones administrativas.
La película muestra dos acciones paralelas. Una es un viaje de unos andaluces de su mísero pueblecito a Lloret de Mar con transbordo en Valencia y Barcelona. Aquellos trenes de la terrible Renfe que parecen sacados de un documental de países tercermundistas.
Otro es el marido de la mujer que viaja con su cuñado y sus hijos pequeños, un albañil que trata de encontrar su lugar en una nueva vida más agradable que la anterior pero también llena de asperezas y sinsabores.
En cierto modo es una nueva despedida de soltero que sale a celebrar con sus compañeros de la obra, lo que causa molestias a ciertos parroquianos no acostumbrados al bullicio andaluz. La película trata asimismo de la tosquedad de su comportamiento, causada por la deficiente educación recibida o mejor dicho por la educación que nunca recibieron. En Cataluña se les llamó "xarnegos" y en Euskadi "coreanos".
Personajes entrañables que buscan salir del agujero, de la miseria que tradicionalmente les asfixiaba y que les obligó a buscar nuevos horizontes en otros lares más productivos.
Aunque el carácter de aquellos españolitos no sea semejante al de la nueva inmigración, más silenciosa, pero que sufre rechazo social que a veces es injustificado. Tal vez las situaciones no sean equiparables pero el tiempo lo dirá.
Una forma de hacer cine valiente que en la actualidad no se rueda. Entonces las películas se producían con capital privado y no con subvenciones públicas que censuran de otro modo al método franquista. Si la censura de entonces era abierta, descarada y pública, la actual es sibilina e hipócrita. Si no eres fiel a sus ideas no te dan dinero y no te dejan trabajar. La forma de control es más oculta pero no menos cruel e injusta.
Por eso en La piel quemada se desprende una ansia de libertad, unas ganas terribles de superar su mísera condición, de superar sus dificultades en la vida y su optimismo que en las pantallas actuales parecen ausentes. Antes había una causa por la que luchar, pero en la actualidad sólo tenemos resignación y tristeza.


Título original: La piel quemada
Dirección: Josep Maria Forn
Guión: Josep Maria Forn
Música: Federico Martínez Tudo
Montaje: Lluís Puigvert
Producción: Josep Maria Forn
Duración: 110 min.
Nacionalidad: España
Año de producción: 1967
Reparto: Antonio Iranzo (José), Ángel Lombarte (Andrés), Marta May (Juana), Carlos Otero (Julio), Silvia Solar (mujer extranjera), Luis Valero (Manolo), Jaume Picas, Salvador Escamilla, Jordi Torras.

martes, 26 de abril de 2011

A los 94 nos deja María Isbert

UNA ACTRIZ DE RAZA

María Isbert y su hijo Toni
La actriz María Isbert, de 94 años, ha fallecido el lunes tras permanecer ingresada en el Hospital de Villarrobledo de Albecete a causa de un empeoramiento de sus procesos crónicos,  informaron fuentes de la familia. La capilla ardiente está prevista que se instale en el Teatro Circo de la ciudad castellanomanchega.
La actriz, que precisamente este jueves cumplió 94 años, tiene 250 películas a sus espaldas, en la mayoría de las cuales trabajó como eterna secundaria, muchas veces dando vida a solteronas, chachas o en el rol de extranjera, y casi siempre en papeles cómicos, demostrando la chispa de talento en sus interpretaciones.
La hija del gran Pepe Isbert, que vive en El Provencio (Cuenca), ha pasado ocho décadas dedicada en cuerpo y alma a la interpretación. Comenzó de la mano de su padre en películas como La vida empieza a medianoche a la que seguirían Un hombre de negocios, El verdugo, Viridiana, La Lola se va a los puertos, Botón de ancla, Currito de la Cruz, La tonta del bote, Cómo está el servicio o El cochecito.

Éstas son sólo una pequeña muestra de la amplia filmografía de esta actriz, que también ha trabajado en proyectos más recientes como Amanece que no es poco, La gran aventura de Mortadelo y Filemón, Semen, una historia de amor o, la última en 2005, Envejece conmigo.

Madre de siete hijos, entre ellos Tony Isbert y Carlos Isbert, ha recibido multitud de premios a lo largo de su dilatada carrera como actriz, como la Medalla de Plata de las Bellas Artes (1987), es Académica de Honor de la Academia de las Artes Cinematográficas de España (2008), Premio del Círculo de Escritores Cinematográficos (1945) o Premio José Isbert de la Asociación de Amigos del Teatro de España (2000).

Los Isbert son una familia muy querida para el autor de este blog. El patriarca, el gran Pepe Isbert, fue uno de mis ídolos en la niñez. Con su nieto Toni trabajé en dos películas, Más allá de la muerte y La grieta, llevando siempre una excelente relación. La madre pertenecía a esa categoría de actores (actrices) impagables que siempre se asomaban para alegrar las películas en las que intervenían. Mis condolencias a la familia de quienes he guardado muy gratos recuerdos.

martes, 19 de abril de 2011

14 de abril - la República

FIN DE TEMPORADA

Lucía Jiménez y Marta Belaustegui


Acabó la primera temporada de 14 de abril - la República quedando todas las tramas colgadas en espera de la segunda. A mi no me parece bien eso, pero...
Como es habitual en estas series se suelen contar varias historias paralelas relacionadas con una época y un tiempo. En este caso de la Segunda República española, una oportunidad muy importante de modernizar el país, España, pero que se descalabró porque como siempre todos tiran de la manta desde todos los lados hasta romperla.
Muchas ilusiones se quebraron con los acontecimientos que siguieron a este breve episodio histórico, después el exilio o la fosa para muchos españoles. En la actualidad continuamos pagando ese fracaso porque estamos muy por debajo del resto de Europa, convirtiéndonos en un país de cuchufleta.

El clásico revisitado

BEN-HUR (2010)

Estamos en Semana Santa y como es habitual es época del estreno de obras pías, una de las más programadas en los diversos canales de televisión es Ben-Hur en la versión de William Wyler.
No, no vamos hablar aquí de la mítica superproducción y tampoco de su glorioso precedente en el cine mudo, sino de una nueva adaptación que acaba de salir en DVD y que aún no he podido adquirir.
Por lo tanto no puedo hablar de la calidad de su versión porque no es ético valorar una película sin verla previamente. Pero me voy a referir a ella para informar al visitante de mi blog por una razón, en ella aparecen dos personajes interpretados por dos actores españoles, Lucía Jiménez (recién vista en 14 de abril, la República) y Miguel Angel Muñoz, un rostro ya popular en el nuevo cine español.

Lucía Jiménez y Miguel Angel Muñoz

Los dos actores españoles interpretan dos personajes que no sé si aparecen en la novela original de Lewis Wallace, pero son desconocidos para quien ha visionado más de una vez las anteriores versiones cinematográficas por todos conocidas.
Lucía es la madrastra de Mesala, casada con su padre, mucho mayor que ella, un importante gobernador de muy malas pulgas. Como no he visto el DVD no puedo dar más detalles. Miguel Angel es en cambio un remero amigo de Judah Ben-Hur.

Lucía en la bañera

Las informaciones recibidas sobre esta miniserie, pasada a DVD, son muy contradictorias ya que no sabemos nada de su contenido pero imaginamos que es nueva visión porque en la novela quedó muchas incidencias en el tintero al trasladarse al cine. Por ejemplo, Judah Ben-Hur es un zelote como aparece en la versión de Fred Niblo pero es omitida en la de William Wyler.
De todas formas una nueva visión que añada más información es siempre bienvenida y esperemos que pasada la Semana Santa la pueda disfrutar en mi televisor y hablar de ella con total propiedad. De momento dejo publicadas algunas imágenes para conocimiento de mis amables lectores.



TÍTULO ORIGINAL Ben Hur (TV) AÑO 2010 DURACIÓN 240 min. PAÍS Reino Unido, España, Canadá DIRECTOR Steve Shill GUIÓN Alan Sharp MÚSICA Robert Lane FOTOGRAFÍA Ousama Rawi REPARTO Joseph Morgan, Stephen Campbell Moore, Lucía Jiménez, Miguel Ángel Muñoz, Simón Andreu, Hugh Bonneville PRODUCTORA Coproducción GB-Canadá-España GÉNERO Aventuras | Antigua Roma. Remake. Miniserie de TV

La famosa carrera de cuadrigas

lunes, 18 de abril de 2011

Los bichitos que aterrorizaron al mundo

LAS BABOSAS DE
"SLUGS - MUERTE VISCOSA"


En 1988 Juan Piquer Simón dirigió Slugs - Muerte viscosa, uno de sus mayores éxitos, producido por José Antonio Escrivá. Es la película de animales peligrosos que sin saber porqué atacan a la humanidad produciendo numerosos fallecimientos.
Cuando rodábamos La grieta meses después de su estreno en cines, la productora inició su estreno en vídeo VHS ya que entonces no existía el DVD. El productor para celebrar dicho evento me encargó que le fabricara babosas para promocionar el vídeo y estuve así una semana, creando esos bichitos de látex tan poco agraciados.
Actualmente la película se ha convertido en objeto de culto, un apodo que muchas veces temo pero esto no es el caso. Los aficionados al fantástico desean saber cómo son esas babosas que fabriqué hace 22 años de las que me quedaron algunas, ya que las fui regalando a los amigos aficionados al género como recuerdo.



Rodaje de "Slugs - Muerte viscosa" en 1988

domingo, 17 de abril de 2011

50 años del rodaje de "El Cid"

YO ESTUVE ALLÍ...



Salvador Sáinz, autor de este blog, en Peñiscola

Hace 50 años que mi padre nos llevó a comer la mona de pascua a Peñíscola donde se rodaba El Cid, superproducción de Samuel Bronston con dirección de Anthony Mann y el mítico Charlton Heston como cabeza de cartel.
En aquel tiempo era habitual que Hollywood utilizara suelo español para rodar películas que daban de comer a mucha gente, algo que sin dudar molestaba a los críticos y años después, cuando vino la democracia los sucesivos ministros de economía, terroristas vocacionales, empezaron a freír con impuestos a quien se asomara por nuestros lares expulsándolos de nuestro territorio emulando a los Reyes Católicos en su destierro masivo de judíos.
¿Para qué darles facilidades a las productoras? ¿para llenar nuestros bolsillos de dólares? ¡Cacao p'al mono! ¿Rodar películas que gusten a la gente? ¡¡¡Ca!!!!

¡Ay, qué país donde los bufones (des) gobiernan y presumen de sus fracasos! ¿Qué les habremos hecho salvo votarles y mantenerlos con nuestros impuestos?
¡Qué grandes recuerdos estas imágenes!
"¡Qué gran vasallo si tuviera un buen señor!" se escucha en la película cuando El Cid Campeador toma Valencia (en realidad Peñiscola). Nosotros seríamos un buen pueblo si los señores fueran inteligentes y tuviesen talento, algo de lo que carecen como todos sabemos.
En fin, paciencia.

Charlton Heston, el mito campeador

sábado, 16 de abril de 2011

Opera prima de Salvador García Ruiz

MENSAKA (1998)

Hace algunos meses hablé de Castillos de cartón (2009), basado en una novela de Almudena Grandes, sobre las peripecias de un trío. La película no tuvo mucho éxito y en cierto modo nos resulta algo decepcionante tanto desde el punto de vista cinematográfico como el reivindicativo. Tras varios siglos reivindicando el derecho a escoger el sexo de la persona con la que compartes tu vida, si era del mismo se provocaba toda clase de inconvenientes y persecuciones, ha llegado el momento de poder escoger el número de personas que conforman este núcleo familiar. Emparejarse de dos en dos o de tres en tres si te place y te da la real gana.
La película elude pues el debate y eso nos provoca una cierta frustración pero en fin, no nos vamos a extender más sobre estos temas y nos centraremos en la cinta que nos ocupa.
El periódico El País edita cada fin de semana a un precio módico diversas películas del nuevo cine español, de las que ya he ido hablando en este blog, porque para mí es una oportunidad de conocer títulos que han pasado desapercibidos a causa de la pésima distribución y de otros inconvenientes del cine ajeno al realizado por Hollywood del que tan mala opinión tienen Javier Gurruchaga y un servidor de ustedes.

Salvador García Ruiz, Laia Marull y Tristán Ulloa

Mensaka fue el debut como director de Salvador García Ruiz. Es la crónica de la desesperación de un grupo de jóvenes en busca de su sitio en la sociedad que les ha tocado vivir y de su desarraigo. Resulta curioso que se haya rodado en 1998, una época de bonanza económica o al menos eso nos hicieron creer en su día, porque si las crónicas transcurrieran en la sociedad actual en medio de una feroz crisis económica los resultados serían aún más desesperantes.
Los protagonistas quieren triunfar en el mundo de los grupos de rock aunque su precio suponga la prostitución intelectual que muchos no queremos asumir. ¿Dejar de ser uno mismo, perder tu propia identidad para convertirte en un artículo de consumo obsoleto? O mejor dicho, degradarte hasta ser un reproductor de productos alienantes.

Lola Dueñas
El dilema no es nada nuevo, generaciones anteriores pasamos por ello. Sin embargo el mundo actual, ya en 1998, daba señales de desconcierto y/o desencanto. Los personajes son todos de trazo firme, nada que ver con los endebles de Castillo de cartón, y son un reflejo en la sociedad que nos ha tocado vivir o, mejor dicho, padecer. Una sociedad de futuro incierto con falta de ideales sólidos, donde nadie sabe de donde viene ni de donde va.
Los actores están todos perfectos. Saben transmitir credibilidad y componen sus personajes con acierto.


Maria Esteve

Mensaka
Año de producción: 1998
País: España
Dirección: Salvador García Ruiz
Intérpretes: Gustavo Salmerón, Tristán Ulloa, Adrià Collado, Laia Marull, Lola Dueñas, María Esteve, Guillermo Toledo
Argumento: José Ángel Mañas (novela)
Guión: Luis Marías
Música: Pascal Gaigne
Fotografía: Teo Delgado
Distribuye en DVD: Luna Llena
Duración: 105 min.
Público apropiado: Jóvenes
Género: Drama
Extras DVD: Español Dolby Digital Estéreo.

Presenta su nuevo disco "El maquinista de la General"

"EL CINE AMERICANO ES UNA MIERDA"
DICE JAVIER GURRUCHAGA


El cantante, actor y showman Javier Gurruchaga visitó la revista digital 20minutos.es para contestar las preguntas de los usuarios. Se confesó un defensor a ultranza del cine español (y criticó el estadounidense, al que tacha de ser "una mierda"), reveló que no era ningún fan de los piropos ni de los chistes, habló sobre la ley Sinde e hizo una reflexión sobre el estado "acomodaticio" en el que se encuentra la sociedad. También presentó su nuevo disco y nos citó en el Teatro de la Latina de Madrid el 29 de abril para ver su nuevo espectáculo.
Tenemos que aclarar que en sus declaraciones dice que el cine americano, al que hace referencia, es el actual, el moderno, y no el clásico en donde sí hubo buen cine, muchas veces realizado por directores europeos.
Sus palabras no podían ser más contundentes.

jueves, 14 de abril de 2011

Hace 80 años

14 DE ABRIL: LA REPÚBLICA

Lucía Jiménez y Marta Belaustegui

Este lunes día 18 se emitirá el último capítulo de la primera temporada de 14 de abril, la República. Hoy hace 80 años que se proclamó en España la Segunda República, acontecimientos que son el eje central de la serie que nos ocupa.
Tal como vemos en estas imágenes en la serie aparece una historia de amor entre dos mujeres, una relación prohibida durante siglos y que por diversas circunstancias ha sido eje central en varias series como, por ejemplo, Amar en tiempos revueltos.
El fracaso de la República, la Guerra Civil, el franquismo trajo mucha frustración a nuestro país y nos mantuvo en el atraso cultual y político que en la actualidad continuamos pagando.
La historia del cine hubiera sido distinto y tal vez en la actualidad hablaríamos de películas diferentes a las que existen pero es lo que hay...

Festival de Cine Invisible 1

ANDER (2009)


El nuevo festival de cine invisible promete y mucho. La primera película visionada por mí es ésta. Su título es Ander y está ambientada en la llamada Euskadi profunda. Muchos se preguntarán ¿y eso que es? bueno, intentaré responder. Mi padre era vasco y procedía de esa Euskadi profunda a la que hace referencia esta película sólo que el paraje está en las llamadas Encartaciones del País Vasco, la zona colindante con Cantabria. En esos caseríos es fácil encontrarse con (buena) gente que jamás ha salido de su terruño y que no conoce otro. Gente con buenas intenciones pero ideas muy conservadoras sobre la vida y el mundo que nos guste o no nos rodea.
A pesar de que se crean únicos esas gentes no son tan distintas de otras similares que existen alrededor del mundo con ideas muy similares y una visión de la vida que parece anclada en el pasado. Gente que nunca evoluciona y que generación tras generación permanece inmutable, anclada en ideas periclitadas.
Un día todo cambia...
Película de corte naturalista, que en España ha sido calificada de afrancesada, que sobresale por su meticulosidad en la planificación y en el retrato de personajes muy bien definidos. De tempo lento pero grato, Roberto Castón compone un perfecto ejercicio de estilo intimista con apuntes certeros sobre la sociedad que no quiere evolucionar pero que finalmente no tiene otro remedio que hacerlo. Un amor de corte homosexual en una sociedad ultramachista que vive en el pasado.


ANDER
Idioma: Español, Euskera Subtítulos: Español Intérpretes: Joxean Bengoetxea, Christian Esquivel, Mamen Rivera, Leire Ucha. Dirigida por: Roberto Castón Escrita por: Roberto Castón Productoras originarias: Euskal Irrati Telebista Radio Television Vasca, S.L., Berdindu Fotografía: Kike López Montaje: Iván Miñambres Género: Drama Año de producción: 2009 Duración: 128 min Color: Color País de producción: España Nacionalidad de la obra: España

martes, 12 de abril de 2011

Cine independiente en la red

FESTIVAL DE CINE ONLINE

Hay películas que no encuentran su sitio en la taquilla, que no se estrenan y no se ven pero que tienen calidad. Recientemente se ha puesto en marcha una iniciativa interesante, un festival de cine online compuesto de películas invisibles que pueden ser vistas por quienes las deseen y encima votar cual es la que prefieren.


Así que recomiendo vivamente este enlace y su participación en el certamen donde siempre se encontrará aquella joya oculta que no tuvo suerte comercial.

El alobado de Sierra Morena

ENTRELOBOS

Marcos Rodríguez Pantoja, nacido en el norte de la provincia de Córdoba en 1946, en pleno corazón de Sierra Morena. A los siete años fue entregado al latifundista de su zona quien le entregó a un cabrero para que le ayudara en su trabajo. Muerto éste, el niño se quedó sólo en el monte viviendo entre lobos desde 1953 hasta 1965.
Ambientado en el actual Parque Natural de la Sierra de Cardeña y Montoro, Entrelobos es un verdadero canto a la Naturaleza sobresaliendo la belleza de sus paisajes, así como la caracterización del personaje central que en su mayor parte recae en el niño Manuel Angel Camacho, todo un hallazgo, y el veterano Sancho Gracia que borda todos sus trabajos interpretativos quien con los años de profesión ha ganado extraordinariamente en calidad.
Manuel Angel Camac
Gerardo Olivares sabe contarnos al milímetro la vida en tan agrestes parajes. Las madrigueras por donde los hurones cazan a los conejos, las águilas y los lobos, en principio agresivos pero después amistosos y leales. También es una historia de amistad entre un hombre ya mayor, en el crepúsculo de la vida, y un pequeño niño que está en su principio. Una relación paterno filial auténtica mucho más sólida que la vivida con el padre biológico del muchacho.
El realizador sabre contar los pequeños detalles, tan cotidianos de la vida en el monte, y la de aquellas personas que por discrepar de la política de la época se tuvo que ocultar en sus cuevas huyendo de la dictadura política.
Un relato bucólico, ecologista, sensible y una realización vigorosa y firme.
Lo que menos me gusta es que no hayan destacado el nombre el joven actor en el póster de la película porque es nuevo y nadie le conocía en el momento de su estreno.
Juan José Ballesta


TÍTULO ORIGINAL Entrelobos (Entre lobos) AÑO 2010 DURACIÓN 116 min. PAÍS España DIRECTOR Gerardo Olivares GUIÓN Gerardo Olivares MÚSICA Klaus Badelt FOTOGRAFÍA Óscar Durán REPARTO Juan José Ballesta, Sancho Gracia, Carlos Bardem, Manuel Camacho, Vicente Romero, Alex Brendemühl, Eduardo Gómez, Luisa Martín, Antonio Dechent, Dafne Fernández, Francisco Conde, José Chaves, José Manuel Soto, Agustín Rodríguez López PRODUCTORA Wanda Visión / Arakao Film / Sophisticated Films PREMIOS 2010: Nominada al Goya: Mejor actor revelación (Manuel Camacho) GÉNERO Drama. Aventuras | Naturaleza. Basado en hechos reales. Animales. Perros & lobos

lunes, 11 de abril de 2011

Una parte "olvidada" de nuestra historia

LAS HIJAS DEL CID (1963)

No esperaba nada de esta película cuando inicié su visión, sin embargo, pese algunos defectos industriales (esa música chirriante) me he llevado una grata sorpresa. La historia de Cataluña cuando era un condado independiente, el conde Berenguer Ramón el fatricida y Ramón Berenguer III, hijo del II "Cap d'Estopa".
El conde de Barcelona y el consell de Cent o Consejo de Ciento parecen seres invisibles en nuestra paupérrima industria pero vete aquí que son parte protagonista de esta apañada película medieval del viejo amigo Miguel Iglesias Bonns.
Le faltará la brillantez (y los medios) de Anthony Mann en la superproducción de Samuel Bronston, pero está realizado con total dignidad. Los actores cumplen a la perfección con su cometido recuperando rostros que se habían perdido para siempre como José Luis Pellicena, Luis Induni y Andrés Mejuto.

 ----------------------------------
LAS HIJAS DEL CID. Dirigido por Miguel Iglesias, 1963. España Largometraje, Intérpretes: José Luis Pellicena, Chantal Deberg, Sandro Moretti, Andrés Mejuto, Roland Carey, Luis Induni, Fernando Cebrián, Daniella Bianchi, Iliana Grimaldi, Félix de Pomés, Andrea Fantasia, Daniel Martín, Frank Oliveras, Nino Milano, Ramón Centenero, Pedro Gil, Josefina Tapias, Juan Monfort, Francisco Tuset, Joaquín Ferré, Ramón Vaccaro Guión: Antonio Navarro Linares, Victor M. Tarruella, Miguel Iglesias, Luis G. de Blain, Noel Diálogos adicionales: Clarasó. Argumento: -Basado en partes del poema y otros documentos de la época por Ferdinando Baldi y Alfredo Giannetti, Director de fotografía: Francisco Marín. Música: Carlo Savina, José María Organo: Roma. Montador: Otello Colangeli. Género: Drama histórico. 35 milímetros. Color: Eastmancolor. Supercinescope. Duración: 84 minutos. Lugares de rodaje: Vich - Ripoll - San Juan de las Abadesas - Belmonte. Estreno: 14-10-1963 Madrid: Imperial Empresa distribuidora: José Victor Arce Santiago.Productores: Victor Tarruella P.C., Cintora, Alexandra P.C. (Italia). Espectadores: 95.241. Recaudación: 37.297,76 €

El bombazo de fin de siglo

SOLAS (1999)

Ana Fernández

Solas arrasó la Gala de los Goya en el año 2000. Mejor dirección novel, mejor actriz revelación, mejor secundaria. Una película muy sencilla en la que nadie confiaba se convirtió en un título de moda que interesaba a todos los cinéfilos de pro que hay en este país y que no son pocos. Lamentablemente este tipo de cine es complicado de ver, pero gracias a las ofertas de los suplementos dominicales hemos podido recuperarla y visionarla, además de añadirla a mi colección de películas.
Como si título indica, Solas es una película sobre la soledad. La soledad de la mujer en un mundo de hombres, una película tierna y sensible protagonizada por una joven de clase muy humilde que se gana la vida limpiando casas.
Benito Zambrano, cineasta sensible y observador, centra la acción en un barrio marginal en que la juventud ha huido a lugares mejores y que se ha llenado de personas desarraigadas. Personajes ofuscados que ahogan sus penas en alcohol y rabia. finalmente se abre la puerta a la esperanza, otro mundo es posible. No en vano, Zambrano estudió cine en Cuba. Tal vez eso le ha llevado a dirigir su mirada hacia personajes que la cinematografía española parece haber olvidado.
Merece especial atención el amor contenido ente dos personas ya en la tercera edad que no tiene futuro. Un mundo de hombres violentos y agresivos, pero también de otros más sensibles y humanos. La mujer como siempre víctima de los primeros, quienes la utilizaran en función de su egoísmo y de sus ansias de poder.
La narración es brillante, centrándose en pequeños detalles y en los sentimientos más íntimos. Solas fue un descubrimiento pero también una bocanada de aire fresco en una cinematografía que en la actualidad se ha degradado de forma ostensible en la banalidad psicotrónica del subproducto más infumable.
Excelente reparto aunque desconocido. María Galiana se ha convertido en un rostro popular del último cine español y Ana Fernández triunfó con sus dos entregas de La Mari.

Ana Fernández y María Galiana
TÍTULO ORIGINAL Solas
AÑO 1999
DURACIÓN 98 min.
PAÍS España
DIRECTOR Benito Zambrano
GUIÓN Benito Zambrano
MÚSICA Antonio Meliveo
FOTOGRAFÍA Tote Trenas
REPARTO María Galiana, Ana Fernández, Carlos Álvarez-Novoa, Antonio Dechent, Paco de Osca, Juan Fernández
PRODUCTORA Maestranza Films
PREMIOS 1999: Festival de Berlín: Premio del Público
1999: 5 Goyas: incluyendo mejor dirección novel y guión original. 11 nominaciones
GÉNERO Drama | Drama social

Un corto mío

LA DANZA MACABRA (2011)

La Danza Macabra (2011) from Salvador Sáinz on Vimeo.

He aquí un corto de mi propia cosecha.
Danza Macabra. España 2011. Realización y guión: Salvador Sáinz. Música: Charles Camille Saint-Saëns.

domingo, 10 de abril de 2011

Elecciones en la Academia

ENRIQUE GONZÁLEZ-MACHO
PRESIDENTE DE LA ACADEMIA DE CINE


La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España ha elegido este domingo al distribuidor, exhibidor y productor Enrique González Macho como su nuevo presidente, en sustitución de Álex de la Iglesia, quien ya ha felicitado por Twitter al ganador tras conocerse los resultados. González Macho competía con el cineasta Bigas Luna, quien ha asegurado que "lo tenía previsto" y "ha ganado la opción más continuista".
González Macho ha recibido un total de 256 votos, frente a los 101 que obtuvo Luna, según fuentes de la Academia. La actriz Marta Etura y la directora y guionista Judith Colell, que formaban parte de la terna de Macho, se convertirán en vicepresidentas primera y segunda.
"Me presento porque llevo 42 años en el cine y lo bueno que he vivido ha sido y es más importante que lo malo. El cine me ha dado mucho y por mucho que le pueda devolver nunca será suficiente", ha planteado González Macho en los últimos días.

Un mito español alrededor del mundo

TRES MIRADAS DE CARMEN

Geraldine Farrar

El parisino Prospero de Mérimée (28 Septiembre 1803 – 23 Septiembre 1870) fue un escritor francés que se hizo archipopular gracias a su novela Carmen (1845) que treinta años después se convirtió en una ópera de Charles Bizet.
Toda la trama está ambientada en Andalucía, unos gitanos contrabandistas y los guardias que deben velar por los intereses del Estado tratando de meterles entre rejas. En medio una mujer de gran sensualidad, Carmen, que presume de no pertenecer a ningún hombre pero que es libre jugando con los sentimientos de quienes caen en sus brazos. La metáfora de la mantis religiosa que destruye a sus machos tras copular con ellos. En cierto modo, al igual que Don Juan Tenorio, otro sevillano seductor, son dos seres malvados que saben engañar a sus víctimas con un falso amor interesado.
En el caso del burlador la de seducir por seducir, buscando en la conquista momentánea un mérito que satisface su egoísmo. Pero tanto en un caso como en otro, acabarán devorados por sus acciones que se volverá en su contra.

Cecil B DeMille

Así, al inventarse el cine a finales del siglo XIX, el nuevo arte se mostró interesado por las veleidades de Carmen, mucho menos por las de Don Juan que son más de origen teatral y se adapta menos al cine. Carmen siempre permite que un sex symbol del cine luzca sus encantos y su poder de seducción.
En 1915 se produjeron tres películas sobre el tema. La primera de Raoul Walsh con la vampiresa Theda Bara, la segunda de Cecil B DeMille que aún no era el genio en que se convirtió años después con la cantante de opera Geraldine Farrar y la tercera su parodia chapliniana de la que trataremos más abajo.
No conocemos la versión de Walsh, pero sí la del gran Cecil B DeMille con Wallace Reid como Don José y Pedro de Córdoba como el torero Escamillo.
Los tres títulos visionados (versiones DeMille, Chaplin y Lubitsch) tienen como denominador común el hecho de que son obras menores de los respectivos cineastas que en otras ocasiones brillaron a mayor altura. Los ambientes de origen español suelen ser más creíbles cuando son rodados en la propia España y no en países extranjeros que tienen una visión deformada de nuestra cultura dedicándose a mostrar tópicos y mostrando un país de pandereta carnavalesco.
Así, la versión de DeMille parece más una fiesta de Carnaval que la reproducción de la Sevilla de mediados del siglo XIX. Todo resulta extravagante y a veces cae en el ridículo. La versión de Ernst Lubitsch es la mejor de estas tres tal vez porque los profesionales que la hicieron posible se molestaron en un trabajo más creíble y más rigurosamente culto.
No fue con la llegada de las grandes superproducciones que el gran Cecil B DeMille llegó a la madurez de su arte. En el caso de Carmen no nos encontramos con una mala película, sino con un título menor poco trabajado y donde aún no había desarrollado su personal estilo narrativo.

Hace muchos años que descubrí la versión paródica de Charlie Chaplin, Burlesque on Carmen (1915) y a decir verdad me provocó un gran desconcierto. No fue hasta que pude visionar la versión de Cecil B DeMille que pude entender que se trataba de una parodia de los clichés de este título. Además se trata de un filme menor de Chaplin, muy ajena a su mundo creativo y que parece imposición de la productora Essanay que remontó la película para ampliar el metraje y añadiendo escenas desechadas por Chaplin. Charlot siempre trabajó con argumentos propios, muy personales, y Parodia de Carmen, como fue conocida, en realidad es una adaptación que utiliza como referente la película de Cecil B DeMille de la que copia algunos planos como el del muro derruido por donde pasan los contrabandistas.

El vestuario, la dirección artística, está calcado pues de la versión rodada meses antes y que tanto éxito tenía en aquel tiempo. El desembarco de los contrabandistas en la playa, la mercancía en lomos de un burro que en la versión Chaplin es un actor disfrazado de tal para darle un toque burdo y grotesco.
Edna Purviance es Carmen, la cigarrera, algo rubia para el papel que siempre necesita una morenaza de armas tomar. una mujer de mayor carácter que la siempre dulce y desvalida Edna aquí en un registro distinto al habitual.

Edna Purviance y Charlie Chaplin

Por otra parte la película es demasiado larga, no tiene sentido de la medida, alargando las situaciones con exceso. Chaplin aún no había dado el salto al largometraje que siempre fue concienzudo. Unos de los autores más meticulosos y rigurosos de la historia del cine y maestro indiscutible de la comedia cómica no se adaptaba a los rodajes rápidos en donde todo se improvisaba y se hacía de cualquier manera sin importar los resultados.
Por esto la parodia como película es fallida aunque conserve algunos destellos del genio chapliniano. Afortunadamente tres años después tuvo lugar la aparición de la versión de Ernst Lubitsch en los estudios alemanes para que la voluptuosa Carmen gozara de una adaptación mucho más sólida que la presente.


Charlie Chaplin y Pola Negri a su llegada a Hollywood
En la primera parte de su carrera que transcurrió en los estudios alemanes, Ernst Lubitsch, que aún no había descubierto su toque mágico, rodó su versión de Carmen (1918) con la polaca Pola Negri de protagonista. La reconstrucción de Sevilla en estudios alemanes es mucho más cuidada que en las versiones norteamericanas y no caía en lo grotesco como en el caso de DeMille.
Negri estaba entonces en lo más granado de su carrera, a punto de hacer las maletas hacía Hollywood donde siempre dio la nota. Si físicamente no era una belleza espectacular, la polaca tenía una personalidad arrolladora que la hacía apta para el personaje. Sabía desmelenarse en cada actuación dando siempre lo mejor de sí misma. El carácter andaluz, tan expresivo en sus ademanes, encajaba a la perfección con sus dotes artísticas. Además Pola era de tez morena, físicamente podía pasar por gitana y andaluza sin ningún problema.

La España pintoresca más tópica estaba presente en la puesta en escena del meticuloso director, al fin y al cabo era la imagen que se vendía internacionalmente de nuestro país y que la novela de Prospero Merimé difundió con su famosa novela. Toros, una mujer voluptuosa que andaba ondulando las caderas y un clavel enredado en sus negros cabellos.
Carmen juega el peligroso juego de la seducción para sus propósitos y acaba por sucumbir una vez más al daño que ha causado. Despertar la pasión de un hombre para después abandonarle. La tragedia estará presente una vez más.
Al ser una adaptación europea, en este caso alemana, naturalmente será mucho más culta que las realizadas en Hollywood en donde se busca la superficialidad que mejor rinde en taquilla. Por esto, la versión Lubitsch.Negri es una de las mejores en el cine mudo a falta de descubrir la de Raquel Meller y Jacques Feyder.

Pola Negri en la versión de Ernst Lubitsch

=========================================

ROSTROS DE CARMEN



Raquell Meller fue Carmen en la versión de Jacques Feyder de 1926.

Theda Bara en la versión de Raoul Walsh, rodada en 1915

Raoul Walsh repitió el tema con otra actriz en 1927, Dolores del Río

La versión colorista de Charles Vidor con Rita Hayworth en 1948 fue un rotundo fracaso

 
Laura del Sol
Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...